近年来，或许是群众们对小鲜肉、抠图等乱象的不满，很多讨论演技的综艺莫名地火了。从前几年的《演员的诞生》到《演技派》都引发了观众们”对什么是好演员，什么是好演技”的全民大讨论。在众多讨论演技的综艺中，有的偏舞台表演，有的偏电视制作，而在众多节目中，《演员请就位》这档节目，最能体现出，对于电影来说，什么是真正的演技。

　　究其原因，是因为《演员请就位》这部综艺真正还原了片场实拍，而不是简单排练后，由演员或制片去点评选手在舞台上的表现。每部短片都请拍出过商业院线电影的专业导演来执导。对于电影来说，演技不是在舞台上排小品就能磨练出来的，而是导演通过视听语言表现出来的。说句残忍点的话，对于电影来说，演技80%是导演的艺术，也只有导演，指导演员的人，对演员的演技最有发言权。

　　演文艺片需要克制 李少红版《孔雀》惊喜亮相

　　《孔雀》为什么难拍?首先是因为这部电影的原作，十分的生活流。除了张静初打开降落伞那一段，电影几乎没有太多的情绪高潮，而是通过无数琐碎细节，和较长的时间跨度，把故事缓缓推进观众心里。换句话说，这部经典的文艺片，不是简单直给的视听刺激，而是一记用很长的时间积蓄，把生活中暗潮涌动的情绪缓缓打向观众的七伤拳。

　　而李少红则没有长片的时间，她面临的情况，是要在短短几分钟内，把人物之间的矛盾纠葛解释清楚，还要保留原作那种细腻的生活流方式，不能出现大的撕扯，这让导演对演员肢体语言的控制要求极高。

　　偏偏到了片场，周奇的腿摔了，拍摄后期还发起了高烧。除了现场演员的身体出状况外，薇薇、周奇和杨迪三人的年龄外形与原版不同，表演方式也十分不同。杨迪是喜剧演员，有着喜剧表演的惯性，周奇则是电视剧中成长起来的演员，薇薇则缺乏一点信心。而且作为一部表现女性主角的电影，原版中三个角色戏份也极不均衡。

　　但李少红用很电影化的手法做到了不仅把演员的演技调教到位，而且拍出了自己的风格，甚至对原作小有超越。

　　首先是在分镜头中，李导运用各种细节特写，营造出角色的心理氛围。对于长期容忍哥哥欺负的弟弟，导演并不让周奇用神情表现内心的攻击，而是用弟弟抹在墙上的血、退缩时手无意中差点碰翻的刀，以及藏着的“记仇本”和老鼠药去表现。而对于性格直率的姐姐，薇薇的表演则先是眼睛不直视母亲，言语回击，关门回屋，再到念出弟弟记仇本后恨铁不成钢的推搡，再到给哥哥倒水时手部动作从犹疑到坚定，再到抱住傻哥哥时流下一滴泪，表演层层递进，直击观众内心。对于傻弟弟的处理，导演对杨迪前期的哭闹和不讲理几乎都是用远景和画外音来表现，营造一种“隔”的感觉，也间接为杨迪与角色不太相符的年龄形象“遮丑”。同时用蜗牛这一符号外化哥哥的悲剧人生，他的成长如蜗牛一般缓慢，在他短暂清醒的时候，他内心其实知道，自己的不会飞，拖住了弟弟妹妹原本该飞翔起来的青春。

　　其次，李少红在光影上，外化了人物心理。弟弟回家傻哥哥哭闹时，整体色调是昏黄的。弟弟看到墙上蜗牛的时候，阳光照进来，暗示傻哥哥仍有生命光辉。晚上姐弟争执的片段，手电筒被挪开，两人的推搡中，光影和色彩都是清冷的，这种内心的纠葛在“倒水”片段进入了最幽暗的时刻。而傻哥哥看蜗牛的片段，暖色的手电筒又给人物增添了新的弧光。最厉害的是剧终，导演设置了天亮，阳光照进房间的全景镜头，阳光照进姐弟三人的心里，象征着人物心结被解开。而那一刻，阳光仿佛也照进了观众心里。

　　如果说顾长卫的《孔雀》让人记住了张静初的姐姐，那种本该怒放却被遗忘的青春，那么李少红的版本，则是让观众同时对姐弟三人都产生了共情。

　　虽然说演技80%是导演的功力，但其实，相比舞台表演，演文艺片对演员的考验要大得多。

　　不同于戏剧、或者类型化的表演，演员在文艺片中的表现要收，但又不能呆，这要求演员要在镜头前百分百的真诚，拿出全部的真情实感，一点都做不了伪。这种表演相比于舞台表演，难度极高，如同在雪花中雕塑，多一点差一点都不行。饰演傻弟弟的杨迪，只用了几颗糖和一句平淡语气讲出来的“我也不会飞，你们飞走吧”，就融化了前期通过声音塑造出的闹和不讲理。而饰演姐姐的薇薇，在故事前期一直压抑着情感，在最终的特写镜头中，李少红只说，姐姐需要一点眼泪出来，这个流泪的特写，最终成了短片暴击人心的杀手锏，也让所有观众对薇薇的演技和李少红的导演功力折服。

　　正如导演在综艺中所说的，“演文艺片需要克制 ”。《孔雀》恰恰做到了让演员收着，把空间留给了视听语言。

　　唯美风导演李少红 回归人性本身调度演员